绽放的花海，流光的森林，璀璨的水晶宇宙，teamLab用数字互动技术重新定义了艺术，在短短几年间，迅速成为了风靡全球的艺术展。

公开数据显示，2018年6月，东京台场“teamLab Borderless”美术馆，在开馆1年多的时间内，接待了来自160多个国家和地区的约230万名访客，作为单一艺术家美术馆，参观人数超过阿姆斯特丹的梵高美术馆（2,161,160人次），创造了世界最大规模的单年度参观人数的记录。

teamLab is represented by Pace Gallery

11月5日，teamLab的全球第二座美术馆「EPSON teamLab无界美术馆：teamLab Borderless Shanghai」将在上海黄浦滨江正式开展。这一占地6600平方米、由约50件艺术作品组成的teamLab常设展，将极有可能在短期内跃升为上海热门旅游目的地。

随着VR、AR、CG等数字技术的发展与普及，各种沉浸式数字艺术展如雨后春笋般涌向市场，为何teamLab能够火遍全球？这一现象级展览有哪些独特之处？从teamLab的艺术理念、作品诉求上，或可一探究竟。 

跨界，边界，无界

teamLab的团队哲学中，“界”是一个核心关键词，用跨界的团队、形式，去做突破边界的产品，最终成为无界，teamLab拓宽了艺术的想象空间。

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teamLab的成功离不开它的跨界团队。teamLab作为一个以共同创作为主题的艺术团队，从2001年只有4个人的数码技术与艺术的跨界公司，成长为如今拥有650余名专业团队，其成员包括了程序员、工程师、艺术家、数学家、建筑师、设计师等。这些跨学科的专业人士，让teamLab的作品更容易碰撞出不同的“火花”。teamLab主创工藤岳表示，teamLab引以为傲的作品，正是在这只跨界团队的共同创作下完成的。“我们的作品不是一日而成的，每当有新的想法，团队会先在一个小环境中做实验，如果成功了，再越做越大，呈现给公众。”

而这支跨界的团队，致力于完成的，是“没有边界的艺术”。teamlab创始人猪子寿之说，teamLab很多作品都在强调改变世界的愿望，强调创造性、未来。通过打破艺术，科学，技术，创造界限，用全新艺术手法为观众带来突破现实的沉浸式体验。

所谓“没有边界的艺术”，即艺术作品不受展厅空间的限制，与其他作品交流、相互影响，打破作品与作品之间的边界并相互融合。这些艺术作品群相互交织、叠加所产生的无边界的连续世界，因此，便有了“teamLab Borderless”——根据teamLab艺术团队的无边界艺术作品群所打造的没有地图的美术馆。

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在即将全新开馆的teamLab Borderless Shanghai里，teamLab将通过Borderless World（无界的世界）、Microcosmoses（小宇宙群）、灯之森林、EN TEA HOUSE四个世界，为参观者打造前所未有的沉浸式艺术体验。参观者把身体沉浸于没有边界的艺术之中，在6,600平方米的巨大空间中彷徨，用带有意识感觉的身体来摸索，与他人共同创造和发现新的世界。

同时，据工藤岳介绍，teamLab Borderless Shanghai此次还扩展了teamLab无界的理念。馆中的作品不仅实现了在馆内的无界，还可以穿越这个美术馆的物质空间，与东京台场的无界美术馆形成互动。

“teamLab希望提供一个契机，让人们通过体验teamLab无界，重新去审视，作品与作品的边界、人与作品的边界、自己与他人的边界、我们与世界的边界等等这些被认为理所当然存在的边界。随着我们渐渐地融入这个同一的世界，我们探索了茫茫人海中人们之间的连续性，一种超越了人和物质世界之间界限的新关系应运而生。”

以人的认知去定义艺术

2015年，日本东京首展就吸引50万人参观；之后，teamLab在北京、台北、米兰、上海等各城市的展览受到追捧。

尽管足迹遍布世界各地，但teamLab的团队却甚少植入地方特色。工藤岳坦言，teamLab希望用作品探索人类和世界的关系，而不是像广告一样，为某个“品牌”而创作。teamLab放大了参观者在艺术中的话语权，很多时候，是人在“定义”作品。这不仅体现在那些随人的行为而发生变化的作品里，也体现在作品升级更新上。据工藤岳介绍，teamLab的作品落地时，并不会迎合某个国家或地区去做改造。但不同地域的人，看到作品会产生差异化的反馈，而这些反馈，会成为teamLab作品更新的基础。teamLab在聆听每个市场不同的需求，也在跟当地的参观者一起进行“二次创作”。 

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teamLab在世界范围内都不缺少观众。但是，业界却不乏关于teamLab是否可称为艺术的讨论。有业界人士认为，teamLab尚不能称之为艺术，它更像是一场商业化的视觉秀。

任何新艺术的诞生都伴随着争议，但时间会证明它的对错。在工藤岳看来，艺术不是用语言文字去表达，而是通过作品去传达。艺术的边界很广，但定义它的一定是观赏者，艺术不一定能够引起共鸣，但它能能引发思考，让大家对世界、对美有新启发。teamLab的作品是为了呈现人和世界的关系，就现阶段来看，让观赏者体验到这一点就是成功。

工藤岳表示，很多艺术在所处年代确实并未受到广泛认可，而是过了十年、二十年，当大家发现对时代转变有积极作用时，才慢慢认同。“希望未来当人们回头看时，会觉得我们的作品是艺术品，我们是一座真正的美术馆。”

值得一提的是，teamLab Borderless Shanghai虽然是常设展，但签约时长也仅有三年而已。工藤岳说，三年之后，teamLab的去留同样由市场，由参观者决定。

遵从艺术的本质

数字艺术持续发酵的热潮之下，能如teamLab一样做成“爆款”的产品却是少之又少，其中更是滥用科技之流。对此，猪子寿之表示，数字艺术如果盲目追求视觉、科技效果，忽略艺术的本质，缺乏内涵、理念，是无法做出能够经得起时间考验的作品。

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而过度强调科技的重量，也与teamLab的理念相违背。“teamLab是用科技来呈现艺术，呈现人、科技、创造和未来的关系，科技只是一种手段，我们追求的是艺术。”工藤岳举例道，曾经管状颜料的发明大大提升了绘画的便捷性，但时至今日，人们会为了绘画而去使用管状颜料，它成为了一种工具；对于teamLab的艺术作品而言，情况是类似的，科技只是辅助这些艺术作品的工具。“teamLab不会去追求最新最先进的科技，能提升艺术质量才是我们所需要的。”

技术固然存在壁垒，但内容才是数字艺术的核心竞争力。商业地产、旅游景点、博物馆等线下消费场景，在向数字字艺术抛出橄榄枝的同时，也需要思考作品本身的合理性。尽管5G时代的到来势必会赋予我们更多的想象力，但盲目追求与科技的融合，或许很难打造出如teamLab一般的“爆款”产品。

图片来源：teamLab Exhibitionview of EPSON teamLab 无界美术馆：teamLab Borderless Shanghai,2019,Shanghai,China ©teamLab